Comment faire de la musique : 15 étapes (avec des images)

2024 Auteur: Gilbert Ryder | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 17:31

Les premiers instruments de musique connus étaient des flûtes en os trouvées il y a 35 000 ans, bien que l'homme ait peut-être chanté bien avant cela. Au fil du temps, une compréhension s'est développée de la façon dont les sons musicaux sont créés et organisés. Bien que vous n'ayez pas besoin de tout savoir sur les gammes musicales, les rythmes, les mélodies et les harmonies pour faire de la musique, une compréhension de certains des concepts vous aidera à apprécier et à faire une meilleure musique.

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Partie 1 sur 4: Sons, notes et gammes

Étape 1. Comprenez la différence entre « hauteur » et « note

” Ces termes décrivent les qualités des sons musicaux. Bien que les termes soient liés, ils sont utilisés quelque peu différemment.

"Pitch" fait référence à la sensation de basse ou d'aiguë associée à la fréquence d'un son donné. Plus la fréquence est élevée, plus la hauteur est élevée. La différence de fréquence entre deux hauteurs quelconques est appelée un « intervalle ».
« Note » fait référence à une plage de hauteurs nommée. La fréquence standard pour A au-dessus du do moyen est de 440 hertz, mais certains orchestres utilisent une norme légèrement différente, telle que 443 hertz, pour produire un son plus brillant.
La plupart des gens peuvent déterminer si une note sonne correctement lorsqu'elle est jouée contre une autre note ou dans une partie d'une série de notes dans un morceau de musique qu'ils reconnaissent. C'est ce qu'on appelle le « pas relatif ». Quelques personnes possèdent une « hauteur absolue » ou une « hauteur parfaite », qui est la capacité d'identifier une hauteur donnée sans entendre une hauteur de référence.

Étape 2. Comprenez la différence entre « timbre » et « ton

” Ces termes sonores sont généralement utilisés en ce qui concerne les instruments de musique.

« Timbre » fait référence à la combinaison de hauteurs primaires (fondamentales) et secondaires (harmoniques) qui retentissent chaque fois qu'un instrument de musique joue une note. Lorsque vous pincez la corde de mi grave sur une guitare acoustique, vous entendez en fait non seulement la note de mi grave, mais également des hauteurs supplémentaires à des fréquences qui sont des multiples de la fréquence de mi grave. La combinaison de ces sons, qui sont également appelés collectivement « harmoniques », est ce qui rend un instrument différent d'un autre type d'instrument.
« Tone » est un terme un peu plus nébuleux. Il fait référence à l'effet de la combinaison des harmoniques fondamentales et secondaires sur l'oreille de l'auditeur. L'ajout de plus d'harmoniques aiguës au timbre d'une note produit un son plus brillant ou plus aigu, tandis que les atténuer produit un son plus doux.
« Tone » fait également référence à un intervalle entre deux hauteurs, également appelé un pas entier. La moitié de cet intervalle s'appelle un « demi-ton » ou un demi-pas.

Étape 3. Attribuez des noms aux notes

Les notes de musique peuvent être nommées de plusieurs manières. Deux méthodes sont couramment utilisées dans la plupart des pays occidentaux.

Noms de lettres: les notes de certaines fréquences se voient attribuer des noms de lettres. Dans les pays anglophones et néerlandophones, les lettres vont de A à G. Dans les pays germanophones, cependant, « B » est utilisé pour la note si bémol (la touche de piano noire entre les touches A et B), et un "H" est utilisé pour représenter la note naturelle B (la touche B blanche sur un piano).
Solfège (également appelé « solfège » ou « solféo »): Ce système, familier aux fans de « The Sound of Music », attribue des noms d'une syllabe aux notes en fonction de leurs positions successives dans une gamme. Le système original développé par le moine du XIe siècle Guido d'Arezzo utilisait « ut, re, mi, fa, sol, la, si », tiré des premiers mots des lignes d'un chant à saint Jean-Baptiste. Au fil du temps, « ut » a été remplacé par « do », tandis que certains raccourcissent « sol » en « so » et chantent « ti » au lieu de « si ». (Certaines parties du monde utilisent les noms de solfège de la même manière que le monde occidental utilise les noms de lettres.)

Étape 4. Organisez une série de notes dans une gamme

Une gamme est une série d'intervalles successifs entre les hauteurs telles que la hauteur la plus élevée est à deux fois la fréquence de la hauteur la plus basse. Cette plage s'appelle une octave. Voici quelques-unes des échelles courantes:

Une gamme chromatique complète utilise 12 intervalles de demi-pas. Jouer une octave au piano du do médian au do au-dessus du do médian, en faisant retentir toutes les touches blanches et noires entre les deux, produit une gamme chromatique. D'autres échelles sont des formes plus restreintes de cette échelle.
Une gamme majeure utilise sept intervalles: le premier et le deuxième sont des pas entiers; le troisième est un demi-pas; les quatrième, cinquième et sixième sont des pas entiers; et le septième est un demi-pas. Jouer une octave au piano du do médian au do supérieur, en ne jouant que sur les touches blanches, est un exemple de gamme majeure.
Une gamme mineure utilise également sept intervalles. La forme la plus courante est la gamme mineure naturelle. Son premier intervalle est un pas entier, mais le deuxième est un demi-pas, le troisième et le quatrième sont des pas entiers, le cinquième est un demi-pas, et les sixième et septième sont des pas entiers. Jouer une octave au piano de A en dessous du do médian à A au-dessus du do médian, en ne faisant sonner que les touches blanches, est un exemple d'une gamme mineure naturelle.
Une gamme pentatonique utilise cinq intervalles. Le premier intervalle est un pas entier, le suivant trois demi-pas, le troisième et le quatrième sont chacun un pas entier, et le cinquième est trois demi-pas. (Dans la tonalité de C, cela signifie que les notes utilisées sont à nouveau C, D, F, G, A et C.) Vous pouvez également jouer une gamme pentatonique en jouant uniquement les touches noires entre le do moyen et le do aigu sur un piano. Les gammes pentatoniques sont utilisées dans la musique africaine, est-asiatique et amérindienne, ainsi que dans la musique folklorique.
Les gammes majeures sont plus édifiantes et joyeuses, tandis que les gammes mineures ont un ton plus sombre et plus sérieux.
La note la plus basse de la gamme est appelée la « clé ». Habituellement, les chansons sont écrites de telle sorte que la dernière note de la chanson soit la note clé; une chanson écrite dans la clé de C se termine presque toujours sur la note C. Un nom de clé indique généralement si la chanson est jouée dans une gamme majeure ou mineure; lorsque la gamme n'est pas nommée, il s'agit de la gamme majeure.

Étape 5. Utilisez des dièses et des bémols pour augmenter et diminuer la hauteur des notes

Les dièses et les bémols augmentent et diminuent la hauteur des notes d'un demi-ton. Ils sont nécessaires lorsque vous jouez dans des tonalités autres que le do majeur ou le la mineur pour que les modèles d'intervalles pour les gammes majeures et mineures restent corrects. Les dièses et les bémols sont indiqués dans des lignes de musique écrite avec des symboles appelés altérations.

Un symbole dièse, qui ressemble au hashtag (#), placé devant une note augmente sa hauteur d'un demi-ton. Dans les tonalités de sol majeur et mi mineur, le fa est augmenté d'un demi-ton pour devenir fa dièse.
Un symbole bémol, qui ressemble à un « b » minuscule pointu, placé devant une note abaisse sa hauteur d'un demi-ton. Dans les tonalités de fa majeur et de ré mineur, le si est abaissé d'un demi-ton pour devenir si bémol.
Pour des raisons de commodité, les notes qui doivent toujours être aiguisées ou aplaties dans une tonalité particulière sont indiquées au début de chaque ligne de la portée musicale de l'armure. Les altérations doivent alors être utilisées uniquement pour les notes en dehors de la tonalité majeure ou mineure dans laquelle le morceau est écrit. Lorsque les altérations sont utilisées de cette manière, elles ne s'appliquent qu'aux occurrences de cette note avant la ligne verticale qui sépare les mesures.
Un symbole naturel, qui ressemble à un parallélogramme vertical avec une ligne verticale s'étendant de haut en bas à partir de deux de ses sommets, est utilisé devant toute note qui serait autrement tranchante ou aplatie pour montrer qu'elle ne devrait pas être à cet endroit dans la chanson. Les naturels n'apparaissent jamais dans les armures, mais un naturel peut annuler l'effet d'un dièse ou d'un bémol utilisé dans une mesure.

Partie 2 sur 4: Beats et rythmes

Étape 1. Comprenez la différence entre "beat", "rythme" et "tempo"

” Ces termes sont également étroitement liés.

« Beat » fait référence à une impulsion musicale individuelle. Un temps peut être soit une note jouée, soit une période de silence appelée silence. Un temps peut également être divisé en plusieurs notes, ou plusieurs temps peuvent être affectés à une seule note ou silence.
Le « rythme » fait référence à une série de battements ou d'impulsions. Le rythme est déterminé par la façon dont les notes et les silences sont arrangés dans une chanson.
« Tempo » fait référence à la vitesse à laquelle une chanson est jouée. Plus le tempo est rapide, plus il y a de battements joués par minute. "The Blue Danube Waltz" a un tempo lent, tandis que "The Stars and Stripes Forever" a un tempo plus rapide.

Étape 2. Regroupez les battements en mesures

Les mesures sont des groupes de temps. Chaque mesure a le même nombre de temps. Le nombre de temps de chaque mesure est indiqué dans la musique écrite avec une signature rythmique, qui ressemble à une fraction sans ligne séparant le numérateur et le dénominateur.

Le chiffre du haut indique le nombre de temps par mesure. Ce nombre est généralement un 2, 3 ou 4, mais peut aller jusqu'à 6 ou plus.
Le chiffre du bas indique quel type de note obtient un temps plein. Lorsque le numéro du bas est un 4, une noire (ressemble à un ovale rempli avec une ligne attachée) obtient un temps plein. Lorsque le numéro du bas est un 2, une blanche (ressemble à un ovale ouvert avec une ligne attachée) obtient un temps plein. Lorsque le numéro du bas est un 8, une croche (ressemble à une noire avec un drapeau attaché à celle-ci) obtient un temps plein.

Étape 3. Recherchez le rythme stressé

Les rythmes sont déterminés selon les temps de la mesure qui sont accentués (accentués) et ceux qui ne le sont pas (non accentués).

Dans la plupart des morceaux de musique, le premier temps, ou temps fort, est accentué. Les temps restants, ou les temps forts, ne sont pas accentués, bien que dans une mesure de quatre temps, le troisième temps puisse être accentué, mais à un degré moindre que le temps fort. Les battements accentués sont aussi parfois appelés battements forts, tandis que les battements non accentués sont parfois appelés battements faibles.
Certains morceaux de musique accentuent des rythmes autres que le temps fort. Ce type de stress est connu sous le nom de syncope, et les battements ainsi stressés sont appelés battements de retour.

Partie 3 sur 4: Mélodie, harmonie et accords

Étape 1. Définissez la chanson avec sa mélodie

La « mélodie » est une succession de notes que la personne qui l'écoute identifie comme étant une chanson cohérente, basée sur les hauteurs des notes et le rythme avec lequel elles sont jouées.

Les mélodies sont composées de phrases, qui sont des groupes de mesures. Ces phrases peuvent se répéter tout au long de la mélodie, comme dans le chant de Noël « Deck the Halls », où les première et deuxième lignes utilisent la même séquence de mesures.
Une structure de chanson mélodique courante consiste à avoir une mélodie pour un couplet et une mélodie associée servant de refrain ou de refrain.

Étape 2. Accompagnez la mélodie avec harmonie

« Harmonie » est le jeu de notes en dehors de celles de la mélodie pour améliorer ou contraster son son. Comme indiqué précédemment, de nombreux instruments à cordes génèrent en fait plusieurs sons lorsqu'ils sont pincés; les harmoniques qui sonnent avec le ton fondamental sont une forme d'harmonie. L'harmonie peut être obtenue grâce à l'utilisation de phrases ou d'accords musicaux.

Les harmonies qui améliorent le son de la mélodie sont appelées « consonnes ». Les harmoniques qui sonnent avec le ton fondamental lorsque la corde d'une guitare est pincée sont une forme d'harmonie consonante.
Les harmonies qui contrastent avec la mélodie sont dites « dissonantes ». Des harmonies dissonantes peuvent être créées en jouant plusieurs mélodies contrastées à la fois, comme lorsque vous chantez « Row Row Row Your Boat » comme une ronde, où chaque groupe commence à chanter à un moment différent.
De nombreuses chansons utilisent la dissonance comme moyen d'exprimer des sentiments instables et de travailler progressivement vers des harmonies consonantes. Dans l'exemple du tour de « Row Row Row Your Boat » ci-dessus, alors que chaque groupe termine de chanter son couplet pour la dernière fois, la chanson devient plus calme jusqu'à ce que le dernier groupe chante « Life is but a dream ».

Étape 3. Empilez les notes pour former des accords

Un accord est formé lorsque trois notes ou plus sont jouées, généralement en même temps, mais pas toujours.

Les accords les plus courants sont les triades (trois notes) où chaque note successive est supérieure de deux notes à la note précédente. Dans un accord C majeur, les notes sont C (la racine de l'accord), E (la tierce majeure) et G (la quinte). Dans un accord de do mineur, le mi est remplacé par un mi bémol (la tierce mineure).
Un autre accord couramment utilisé est l'accord de septième, dans lequel une quatrième note est ajoutée à la triade, la septième note à partir de la racine. Un accord de septième majeur ajoute une note B à la triade C-E-G pour faire la séquence C-E-G-B. Les accords de septième sont plus dissonants que les accords.
Il est possible d'utiliser un accord différent pour chaque note individuelle d'un morceau; c'est ainsi que se crée l'harmonie du quatuor du salon de coiffure. Plus généralement, cependant, les accords sont associés à des notes trouvées dans l'accord, comme jouer un accord de do majeur pour accompagner la note de mi dans une mélodie.
De nombreuses chansons sont jouées avec seulement trois accords, ceux dont les notes fondamentales sont les première, quatrième et cinquième notes d'une gamme. Ces accords sont représentés par les chiffres romains I, IV et V. Dans la tonalité de do majeur, ces accords seraient do majeur, fa majeur et sol majeur. Souvent, un accord de septième est substitué à un accord de V majeur ou mineur, de sorte que lors de la lecture en C majeur, l'accord de V serait un septième de Sol majeur.
Les accords I, IV et V sont interdépendants entre les touches. Alors que l'accord de fa majeur est l'accord IV dans la clé de do majeur, l'accord de do majeur est l'accord de V dans la clé de fa majeur. L'accord de sol majeur est l'accord de V dans la tonalité de do majeur, mais l'accord de do majeur est l'accord IV dans la tonalité de sol majeur. Cette interrelation s'étend au reste des accords et peut être représentée sous la forme d'un diagramme appelé le cercle des quintes.

Partie 4 sur 4: Types d'instruments de musique

Étape 1. Frappez ou grattez un instrument à percussion pour faire de la musique avec

Les instruments à percussion sont considérés comme l'une des plus anciennes formes d'instruments de musique. La plupart sont utilisés pour créer et maintenir le rythme, bien que quelques-uns puissent jouer la mélodie ou créer des harmonies.

Les instruments à percussion qui produisent du son en faisant vibrer tout leur corps sont appelés idiophones. Ceux-ci incluent les instruments qui sont frappés ensemble, tels que les cymbales et les castagnettes et ceux qui sont frappés par autre chose, tels que les tambours en acier, les triangles et les xylophones.
Les instruments à percussion avec une « peau » ou une « tête » qui vibre lorsqu'on les frappe sont appelés membranophones. Ceux-ci incluent des tambours tels que les timbales, le tam-tam et le bongo, ainsi que des instruments qui attachent une corde ou un bâton à la membrane qui la fait vibrer lorsqu'il est tiré ou frotté, tels que le rugissement du lion ou la cuica.

Étape 2. Soufflez dans un instrument à vent pour faire de la musique avec

Les instruments à vent produisent du son en vibrant lorsqu'ils sont soufflés. La plupart comprennent des trous de tonalité pour changer la hauteur du son qu'ils produisent, les rendant ainsi adaptés pour jouer des mélodies et des harmonies. Les bois sont divisés en deux types: les flûtes, qui produisent du son en faisant vibrer tout le corps de l'instrument, et les tuyaux d'anche, qui font vibrer le matériau placé à l'intérieur de l'instrument. Ceux-ci sont en outre divisés en deux sous-types.

Les flûtes ouvertes produisent du son en divisant un flux d'air soufflé sur le bord de l'instrument. Les flûtes de concert et les flûtes de pan sont des types de flûte ouverte.
Des flûtes fermées canalisent l'air à travers un conduit dans l'instrument pour le diviser et faire vibrer l'instrument. La flûte à bec et les tuyaux d'orgue sont des types de flûte fermée.
Les instruments à anche simple placent une anche dans l'embouchure de l'instrument. Lorsqu'elle est soufflée, l'anche fait vibrer l'air à l'intérieur de l'instrument pour produire un son. Les clarinettes et les saxophones sont des exemples d'instruments à anche unique. (Bien que le corps d'un saxophone soit en laiton, il est considéré comme un instrument à vent car il utilise une anche pour produire son son.)
Les instruments à anches doubles utilisent deux anches de canne liées ensemble à une extrémité au lieu d'une seule anche. Des instruments tels que le hautbois et le basson placent l'anche double directement entre les lèvres du joueur, tandis que des instruments comme le cromhorn et la cornemuse gardent leurs anches doubles couvertes.

Étape 3. Soufflez dans un instrument en cuivre avec les lèvres fermées pour faire de la musique avec

Contrairement aux instruments à vent, qui reposent uniquement sur la direction d'un flux d'air, les cuivres vibrent avec les lèvres du joueur pour produire leur son. Alors que les cuivres sont ainsi nommés parce que la plupart d'entre eux sont en laiton, ils sont regroupés en fonction de leur capacité à modifier leur son en modifiant la distance sur laquelle le flux d'air doit parcourir avant de sortir. Cela se fait par l'une des deux méthodes.

Les trombones utilisent une glissière pour modifier la distance que le flux d'air doit parcourir. Tirer le toboggan vers l'extérieur allonge la distance, abaissant le ton, tandis que l'enfoncer raccourcit la distance, augmentant le ton.
D'autres cuivres, tels que la trompette et le tuba, utilisent un ensemble de valves en forme de pistons ou de clés pour étendre ou raccourcir la longueur du flux d'air à l'intérieur de l'instrument. Ces valves peuvent être pressées seules ou en combinaison pour produire le son désiré.
Les instruments à vent et les cuivres sont souvent regroupés en instruments à vent, car les deux doivent être soufflés pour faire de la musique.

Étape 4. Faites vibrer les cordes d'un instrument à cordes pour faire de la musique avec

Les cordes des instruments à cordes peuvent être mises à vibrer de l'une des trois manières suivantes: en étant pincées (comme avec une guitare), en étant frappées (comme avec un dulcimer martelé ou les marteaux à clé d'un piano), ou en étant sciées. (comme avec l'archet d'un violon ou d'un violoncelle). Les instruments à cordes peuvent être utilisés pour un accompagnement rythmique ou mélodique et peuvent être divisés en trois catégories:

Les luths sont des instruments à cordes avec un corps résonnant et un manche, tels que les violons, les guitares et les banjos. Ils comportent des cordes de longueur égale (à l'exception de la corde basse sur un banjo à cinq cordes) et d'épaisseur variable. Les cordes plus épaisses produisent un son grave, tandis que les cordes fines produisent un son plus aigu. Les cordes peuvent être pincées à des points marqués (frets) pour les raccourcir efficacement et augmenter leurs hauteurs.
Les harpes sont des instruments à cordes dont les cordes sont liées dans un cadre. Les harpes ont généralement des cordes de longueur progressivement plus courte disposées verticalement, l'extrémité inférieure de la corde étant connectée au corps de résonance, ou table d'harmonie.
Les cithares sont des instruments à cordes montés sur un corps. Leurs cordes peuvent être grattées ou pincées, comme avec l'autoharpe, ou frappées directement, comme avec le dulcimer martelé, ou indirectement, comme avec le piano.

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Des astuces

Les gammes majeures et mineures naturelles sont liées de telle sorte que la gamme mineure d'une touche deux notes inférieures à la gamme majeure aiguise ou aplatit les mêmes notes. Ainsi, les clés de do majeur et de la mineur, qui n'utilisent ni dièses ni bémols, partagent la même armure.
Certains instruments et combinaisons d'instruments sont associés à certains types de musique. Par exemple, les quatuors à cordes composés de deux violons, d'un alto et d'un violoncelle sont généralement utilisés pour jouer un type de musique classique appelé musique de chambre. Les groupes de jazz comportaient généralement une section rythmique de batterie, de pianos et éventuellement une contrebasse ou un tuba et une section de cor de trompettes, trombones, clarinettes et saxophones. Il peut être amusant de jouer des chansons avec des instruments différents de ceux auxquels elles étaient destinées, comme le fait « Weird Al » Yankovic avec ses sélections de chansons rock jouées à la polka à l'accordéon.